Constructed Realities: Jee Young Lee’s Photographic Fiction
Hyewon Yi
Director and Curator, Amelie A. Wallace Gallery
SUNY College at Old Westbury, New York
This exhibition introduces seven new photographic works from Jee Young Lee’s Stage of Mind, a project on which the artist has been working continuously since 2007. Jee Young Lee “constructs” scenes for her camera rather than employing the traditional method of “taking” images such as still lifes, figures, or landscapes. Her stage for these fictional scenes is her room-sized studio in Seoul, measuring 360 x 410 x 240 centimetres, where the artist’s labor-intensive surrealistic fantasy creations realize her psychological states within the confines of physical space.
Lee’s artistic motivation derives from her quest for personal identity. In each of Lee’s stories, the artist is the protagonist. At times facing away from us, at other times showing only part of her body or reclining, she quietly and mysteriously inhabits her dream-like realms. Through their bold materials and patterns, dramatic colors, and intriguing narratives, Lee’s new works signal maturity, coherence, and sophistication. The legends of East and West, Korean proverbs, personal childhood experiences, and immediate realities provide the motifs for her creations.
Among Lee’s new works, I’ll Be Back draws upon a Korean fable in which a tiger chases desperate children into a well. A god lowers a rope from the sky by which the children escape, but when the tiger cries out for like succor, a rotten rope is lowered, condemning the tiger to a miserable fate. Lee reinterprets the horror of this inescapable situation to suggest the possibility of survival through her own will, her lone arm reaching for a rope just out of reach while thousands of traditional blue fans conjure up the threatening waters swirling around her.
Broken Heart makes visual the Korean expression “like breaking a stone with an egg” – an ineffectual effort against insurmountable adversity. Last Supper conflates the Christian image of the meal that foreshadows Jesus’ impending demise with the competition for limited resources illustrated by hundreds of rats racing toward the table from which the artist appears to be rescuing a plate of cheese. Resurrection, which suggests the hope of rebirth, is inspired by Shimchungchun, a Korean novel from the Chosun dynasty about a young woman who devotes herself to her blind father, and Pre-Raphaelite painter John Everett Millais’s Ophelia (1852), which depicts Shakespeare’s character having drowned herself after going mad from loss of Hamlet’s love and the death of her father. Lee identified with the tragic heroine, rising among the water lilies. The otherworldly atmosphere of her piece is enhanced through the use of dry ice.
Contrasting with Lee’s legend- and literature-inspired moral messages, Panic Room and Treasure Hunt are based on the artist’s childhood memories. Amidst Panic Room’s swirling patterns, objects fly off in all directions in an absurd dizziness, while Treasure Hunt’s grassy Eden – Lee devoted three months to crafting the lush multitude of wire leaves – evokes a child-like wonderland. Monsoon Season, which grows from the artist’s personal experience last summer when her studio was flooded, evokes the perils of navigating through thousands of seductive but poisonous sea anemones.
Lee’s constructed realities belong to the “directorial mode,” employed since the 1980’s by Postmodernist photographers in repudiation of the Modernist practice that sought truth in the everyday world. Lee’s “constructed image photography” may be compared to the works of German sculptor and photographer Thomas Demand, who builds life-sized models he intends to demolish after photographing them. Her “staged photography” brings to mind tableaux vivant not unlike U.S. installation artist and photographer Sandy Skoglund’s orchestrated room-size installations. But in contrast to these earlier artists, Lee’s subjects are deeply personal and intensely psychological. Drawing upon prodigious powers of imagination, she labors for months to create effects that seem to expand and contract physical space. And always, a lone figure inhabits and completes her narratives. Jee Young Lee assumes the roles of set designer, sculptor, performer, installation artist, and photographer – and she executes them all magically.
구성된 현실: 이지영의 포토그래픽 픽션
이혜원
(뉴욕 Amelie A. Wallace Gallery 디렉터/큐레이터)
이지영의 프로젝트 'Stage of Mind'는 작가가 2007년 말부터 꾸준히 작업해온 작품들로서 가장 최근의 7점의 사진 작업을 이 전시에 소개한다. 전통적인 사진 작업 방법인 보여지는 사물, 인물, 풍경, 즉 존재하는 세계를 보이는 그대로 “찍는다.”라는 개념을 떠나, 이지영 작가는 자신의 카메라 앞에 이미지를 찍기 위한 장면을 “구성한다.” 장면들의 무대가 되는 공간은 서울 마포구 홍익대 앞의 한 작업실 공간이다. 360x410x 240cm [구 작업실 크기는 340x370x240cm]의 일정한 공간 안에 작가는 허구의 공간을 변화무쌍하게 연출시킨다. 'Stage of Mind' (마음의 무대)란 프로젝트의 제목이 암시하듯이 이지영은 자신의 내밀한 심리적 상황이나, 환상적이고 비현실적인 세계를 규격화된 공간 안에 수 시간의 수작업을 통해 자유로운 무대처럼 표현한다.
작업의 동기는 자아탐구에서 비롯되었다. 각각의 스토리의 세트 안에 대체로 화면 깊숙한 안쪽에 등장한 인물은 작가 자신이 대부분이며, 뒷모습, 신체의 일부, 엎드린 자세 등을 통해 화면을 지배하기보다는 파묻히는 이야기의 일부분으로 겸손하고, 신비로운 존재로 표현된다. 이번 새로운 작품들은 과감한 소재와 패턴, 화려한 색채의 사용과 주제의 선택에 있어서, 성숙하고, 일관되며 세련된 단계의 작가의 결정을 드러낸다. 동양과 서양의 전설, 한국 속담, 어린 시절 경험, 직면한 현실 등을 소재로 표현했다.
이 중, I’ll be back은 일월설화 (日月說話)에 등장하는 호랑이가 잡았던 썩은 동아줄 이야기의 절망적 상황을 수백 개의 부채로 물살을 재현하고, 팔 하나가 밧줄을 잡으려는 긴박한 상황으로 재해석함으로써, 의지로 역경을 이길 수 있다는 메시지를 담고 있다. Broken Heart는 “계란으로 바위치기”를 시각화한 작품으로 불가능한 상황에 대한 부질없는 도전, Last Supper에서 치즈가 놓여 있는 테이블을 향해 돌진하는 수많은 쥐들은 한정된 음식을 놓고 경쟁해야 하는 치열함을 표현했다. 이는 또한 죽음을 임박한 예수의 운명을 예고하는 마지막 식사인 기독교적 이미지를 연상시킨다.
Resurrection은 아버지를 위해 희생을 마다치 않은 심청전과 셰익스피어의 햄릿의 여주인공 오필리아의 죽음 (아버지의 죽음과 햄릿으로부터 당한 실연의 괴로움 이후)에서 영감을 얻었다. 특히 라파엘 전파의 주요 작가 존 에버렛 밀레이스 (John Everett Millais)의 작품 오필리아 (1852)를 참고했다. 이지영은 비극적 이야기의 여주인공과 자신을 결부시키며 작품을 부활의 희망적 메시지로 전환시킨다. 수작업으로 채색된 연꽃과 연잎에서 생명 (젊은 여인)이 싱그럽게 피어나도록 연출했고, 드라이아이스를 써서 더욱 신비한 느낌이 나도록 했다.
전설, 문학에서 영감을 얻은 도덕적인 주제가 강한 작품들과는 달리 Panic Room과 Treasure Hunt와 같은 작품들은 아찔하게 현기증을 주는 방과, 빼곡한 풀밭을 각각 반복적인 패턴의 사용과 3개월간에 걸친 수작업 (공예용 철사를 이용한 풀밭 재현)을 통해 보는 이로 하여금 아연하게 만든다. Monsoon Season은 지난여름 홍수에 반 잠겨버린 작업실에서의 물난리 경험을 수많은 말미잘의 유혹을 뿌리치고 항해하는 위태한 모습으로 연출했다.
이지영의 사진을 위한 “디렉토리얼 모드”적인 허구적 실현 구성은 1980년에 접어들면서 포스트모던 사진작가들이—보이는 세계의 현실에 입각한 진실성을 추구하던 모더니스트 사진작가들의 사진 작업 방식에—반대하여 소재, 주제, 이에 따른 진실성까지 제조 될 수 있다는 포토그래픽 픽션의 창조의 방법론과 밀접하게 관련된다. 결과물인 사진을 위해 작가 이지영이 만든 세트는 이른바 구성사진 (Constructed Image Photography)으로 완성된 life-size모델 세트를 사진 작업이 끝나면 부수고 다시 만든다는 점에서 독일 조각가 및 사진작가 토마스 디멘드 (Thomas Demand)의 작업 방식과 비교될 수 있으며, 이지영의 칼라 감각과 인물 사용의 초현실주의적인 Tableaux Vivants식의 연출 사진 (Staged Photography)은 미국 설치 사진작가, 샌디 스코글런드 (Sandy Skoglund)와 충분히 비교될 수 있다. 그러나, 이들 일련의 작가들과 비교해, 이지영의 소재는 지극히 개인적이고, 한국적 문화와 정서를 반영하며, 엄청난 상상력을 동원하여, 한 장면을 위해 몇 개월의 수작업이 요구되는 장면을 만든다. 작가는 똑같은 한 공간을 수십 번씩 뒤바뀌게, 밀실 폐쇄의 공간이 팽창했다, 수축했다 하는 세심한 연출 능력이 있다. 또한 항상 하나의 인물이 각각의 화면을 조용하나 힘있게 조율하고 이야기를 풀어나간다. 이지영은 사진작가임과 동시에 무대 시각 연출가, 퍼포먼스 예술가, 설치 미술가, 조각가, 화가의 역할까지 섭렵한다.
Hyewon Yi
Director and Curator, Amelie A. Wallace Gallery
SUNY College at Old Westbury, New York
This exhibition introduces seven new photographic works from Jee Young Lee’s Stage of Mind, a project on which the artist has been working continuously since 2007. Jee Young Lee “constructs” scenes for her camera rather than employing the traditional method of “taking” images such as still lifes, figures, or landscapes. Her stage for these fictional scenes is her room-sized studio in Seoul, measuring 360 x 410 x 240 centimetres, where the artist’s labor-intensive surrealistic fantasy creations realize her psychological states within the confines of physical space.
Lee’s artistic motivation derives from her quest for personal identity. In each of Lee’s stories, the artist is the protagonist. At times facing away from us, at other times showing only part of her body or reclining, she quietly and mysteriously inhabits her dream-like realms. Through their bold materials and patterns, dramatic colors, and intriguing narratives, Lee’s new works signal maturity, coherence, and sophistication. The legends of East and West, Korean proverbs, personal childhood experiences, and immediate realities provide the motifs for her creations.
Among Lee’s new works, I’ll Be Back draws upon a Korean fable in which a tiger chases desperate children into a well. A god lowers a rope from the sky by which the children escape, but when the tiger cries out for like succor, a rotten rope is lowered, condemning the tiger to a miserable fate. Lee reinterprets the horror of this inescapable situation to suggest the possibility of survival through her own will, her lone arm reaching for a rope just out of reach while thousands of traditional blue fans conjure up the threatening waters swirling around her.
Broken Heart makes visual the Korean expression “like breaking a stone with an egg” – an ineffectual effort against insurmountable adversity. Last Supper conflates the Christian image of the meal that foreshadows Jesus’ impending demise with the competition for limited resources illustrated by hundreds of rats racing toward the table from which the artist appears to be rescuing a plate of cheese. Resurrection, which suggests the hope of rebirth, is inspired by Shimchungchun, a Korean novel from the Chosun dynasty about a young woman who devotes herself to her blind father, and Pre-Raphaelite painter John Everett Millais’s Ophelia (1852), which depicts Shakespeare’s character having drowned herself after going mad from loss of Hamlet’s love and the death of her father. Lee identified with the tragic heroine, rising among the water lilies. The otherworldly atmosphere of her piece is enhanced through the use of dry ice.
Contrasting with Lee’s legend- and literature-inspired moral messages, Panic Room and Treasure Hunt are based on the artist’s childhood memories. Amidst Panic Room’s swirling patterns, objects fly off in all directions in an absurd dizziness, while Treasure Hunt’s grassy Eden – Lee devoted three months to crafting the lush multitude of wire leaves – evokes a child-like wonderland. Monsoon Season, which grows from the artist’s personal experience last summer when her studio was flooded, evokes the perils of navigating through thousands of seductive but poisonous sea anemones.
Lee’s constructed realities belong to the “directorial mode,” employed since the 1980’s by Postmodernist photographers in repudiation of the Modernist practice that sought truth in the everyday world. Lee’s “constructed image photography” may be compared to the works of German sculptor and photographer Thomas Demand, who builds life-sized models he intends to demolish after photographing them. Her “staged photography” brings to mind tableaux vivant not unlike U.S. installation artist and photographer Sandy Skoglund’s orchestrated room-size installations. But in contrast to these earlier artists, Lee’s subjects are deeply personal and intensely psychological. Drawing upon prodigious powers of imagination, she labors for months to create effects that seem to expand and contract physical space. And always, a lone figure inhabits and completes her narratives. Jee Young Lee assumes the roles of set designer, sculptor, performer, installation artist, and photographer – and she executes them all magically.
구성된 현실: 이지영의 포토그래픽 픽션
이혜원
(뉴욕 Amelie A. Wallace Gallery 디렉터/큐레이터)
이지영의 프로젝트 'Stage of Mind'는 작가가 2007년 말부터 꾸준히 작업해온 작품들로서 가장 최근의 7점의 사진 작업을 이 전시에 소개한다. 전통적인 사진 작업 방법인 보여지는 사물, 인물, 풍경, 즉 존재하는 세계를 보이는 그대로 “찍는다.”라는 개념을 떠나, 이지영 작가는 자신의 카메라 앞에 이미지를 찍기 위한 장면을 “구성한다.” 장면들의 무대가 되는 공간은 서울 마포구 홍익대 앞의 한 작업실 공간이다. 360x410x 240cm [구 작업실 크기는 340x370x240cm]의 일정한 공간 안에 작가는 허구의 공간을 변화무쌍하게 연출시킨다. 'Stage of Mind' (마음의 무대)란 프로젝트의 제목이 암시하듯이 이지영은 자신의 내밀한 심리적 상황이나, 환상적이고 비현실적인 세계를 규격화된 공간 안에 수 시간의 수작업을 통해 자유로운 무대처럼 표현한다.
작업의 동기는 자아탐구에서 비롯되었다. 각각의 스토리의 세트 안에 대체로 화면 깊숙한 안쪽에 등장한 인물은 작가 자신이 대부분이며, 뒷모습, 신체의 일부, 엎드린 자세 등을 통해 화면을 지배하기보다는 파묻히는 이야기의 일부분으로 겸손하고, 신비로운 존재로 표현된다. 이번 새로운 작품들은 과감한 소재와 패턴, 화려한 색채의 사용과 주제의 선택에 있어서, 성숙하고, 일관되며 세련된 단계의 작가의 결정을 드러낸다. 동양과 서양의 전설, 한국 속담, 어린 시절 경험, 직면한 현실 등을 소재로 표현했다.
이 중, I’ll be back은 일월설화 (日月說話)에 등장하는 호랑이가 잡았던 썩은 동아줄 이야기의 절망적 상황을 수백 개의 부채로 물살을 재현하고, 팔 하나가 밧줄을 잡으려는 긴박한 상황으로 재해석함으로써, 의지로 역경을 이길 수 있다는 메시지를 담고 있다. Broken Heart는 “계란으로 바위치기”를 시각화한 작품으로 불가능한 상황에 대한 부질없는 도전, Last Supper에서 치즈가 놓여 있는 테이블을 향해 돌진하는 수많은 쥐들은 한정된 음식을 놓고 경쟁해야 하는 치열함을 표현했다. 이는 또한 죽음을 임박한 예수의 운명을 예고하는 마지막 식사인 기독교적 이미지를 연상시킨다.
Resurrection은 아버지를 위해 희생을 마다치 않은 심청전과 셰익스피어의 햄릿의 여주인공 오필리아의 죽음 (아버지의 죽음과 햄릿으로부터 당한 실연의 괴로움 이후)에서 영감을 얻었다. 특히 라파엘 전파의 주요 작가 존 에버렛 밀레이스 (John Everett Millais)의 작품 오필리아 (1852)를 참고했다. 이지영은 비극적 이야기의 여주인공과 자신을 결부시키며 작품을 부활의 희망적 메시지로 전환시킨다. 수작업으로 채색된 연꽃과 연잎에서 생명 (젊은 여인)이 싱그럽게 피어나도록 연출했고, 드라이아이스를 써서 더욱 신비한 느낌이 나도록 했다.
전설, 문학에서 영감을 얻은 도덕적인 주제가 강한 작품들과는 달리 Panic Room과 Treasure Hunt와 같은 작품들은 아찔하게 현기증을 주는 방과, 빼곡한 풀밭을 각각 반복적인 패턴의 사용과 3개월간에 걸친 수작업 (공예용 철사를 이용한 풀밭 재현)을 통해 보는 이로 하여금 아연하게 만든다. Monsoon Season은 지난여름 홍수에 반 잠겨버린 작업실에서의 물난리 경험을 수많은 말미잘의 유혹을 뿌리치고 항해하는 위태한 모습으로 연출했다.
이지영의 사진을 위한 “디렉토리얼 모드”적인 허구적 실현 구성은 1980년에 접어들면서 포스트모던 사진작가들이—보이는 세계의 현실에 입각한 진실성을 추구하던 모더니스트 사진작가들의 사진 작업 방식에—반대하여 소재, 주제, 이에 따른 진실성까지 제조 될 수 있다는 포토그래픽 픽션의 창조의 방법론과 밀접하게 관련된다. 결과물인 사진을 위해 작가 이지영이 만든 세트는 이른바 구성사진 (Constructed Image Photography)으로 완성된 life-size모델 세트를 사진 작업이 끝나면 부수고 다시 만든다는 점에서 독일 조각가 및 사진작가 토마스 디멘드 (Thomas Demand)의 작업 방식과 비교될 수 있으며, 이지영의 칼라 감각과 인물 사용의 초현실주의적인 Tableaux Vivants식의 연출 사진 (Staged Photography)은 미국 설치 사진작가, 샌디 스코글런드 (Sandy Skoglund)와 충분히 비교될 수 있다. 그러나, 이들 일련의 작가들과 비교해, 이지영의 소재는 지극히 개인적이고, 한국적 문화와 정서를 반영하며, 엄청난 상상력을 동원하여, 한 장면을 위해 몇 개월의 수작업이 요구되는 장면을 만든다. 작가는 똑같은 한 공간을 수십 번씩 뒤바뀌게, 밀실 폐쇄의 공간이 팽창했다, 수축했다 하는 세심한 연출 능력이 있다. 또한 항상 하나의 인물이 각각의 화면을 조용하나 힘있게 조율하고 이야기를 풀어나간다. 이지영은 사진작가임과 동시에 무대 시각 연출가, 퍼포먼스 예술가, 설치 미술가, 조각가, 화가의 역할까지 섭렵한다.